Punto de inflexión

Yo siempre fui justa en matemáticas. No me gustaban y las aprobaba por los pelos hasta que llegó la teoría de los conjuntos a las aulas, la lógica matemática. Aquello del conjunto vacío para definir el 0, me gustaba y me parecía incluso poético.

"El punto de inflexión" que elijo como título de este cuadro, es una función matemática que también me parece poética. Algo se acaba y no hay marcha atrás pero al mismo tiempo, algo nuevo comienza a partir de lo anterior.

Los puntos de inflexión en nuestras vidas no van parejos con el cambio de año pero yo al menos, siempre en estas fechas, me propongo un puntito de inflexión en algún aspecto de lo que conforma mi existencia para que ésta mejore y sea más satisfactoria.

El cuadro está realizado sobre una plancha de ocumen de 40 x 30, comenzada con acrílicos y finalizada con óleos.
El dibujo está hecho sobre el acrílico tierno, con la punta del palo del pincel.

Fin de año

Termina otro año. Comienza uno nuevo.

Siempre es así, todo es así: principio, fin y vuelta a empezar.

Nuevos deseos, nuevos sueños entre viejos recuerdos y a seguir peleando, trabajando, queriendo, sufriendo,  disfrutando, cada uno como quiera y pueda.

Desde aquí, a todos los que  habéis dedicado un ratito de este año a contemplar los trabajos que comparto, os deseo solo cosas buenas, satisfactorias y hermosas para el que viene.

¡¡Feliz año nuevo!!

(La lámina: gouache y pincel sobre papel)

Mujeres pintoras

(Cuando preparé este artículo ya hace tiempo (en el año 2.013), aún no disponía de este blog por lo que tuve que publicarlo en el de jardinería. Lo transcribo ahora aquí tal cual porque me parece que este es un lugar mas adecuado para él).

Manos de mujeres prehistóricas de la cueva del Castillo

Si le damos un pequeño repaso a los libros de arte, podemos quedarnos con la idea (que de hecho es la que ha imperado hasta hace muy poco) de que las mujeres no están especialmente dotadas para la pintura. Muy raramente aparece alguna en algún pequeño rincón de la lista.

Pero resulta que sí, que también las mujeres son capaces de pintar y lo han sido desde la oscuridad de los tiempos: en la cueva del Castillo, en Puente Viesgo (Cantabria) hay pintadas unas manos que según los expertos son de mujer y datan nada menos que de hace unos 40.000 años.

Y no sólo son capaces de pintar sino de hacerlo como grandes artistas. A pesar de que educación, cultura, sociedad y hasta familia (no digamos religión) han jugado siempre en su contra.

Ilustración del códice:”Comentarios al Apocalipsis del beato de Liébana” por Ende, pintora del s. XIII

Estas pintoras que muestro contradicen la idea, no del todo extinguida, de que para ser un gran artista hay que pertenecer al género masculino. (y para ser un gran cocinero y un gran piloto y un gran...) y habrá alguien que te diga que si todos los pintores  famosos son hombres por algo será.

Sofonisba Anguissola (1532-1625)

Pues claro que es por algo: porque la sociedad siempre les ha dado y sigue haciéndolo, más posibilidades para triunfar que a las mujeres.

Lavinia Fontana (1552-1614)

Como éste es un blog para disfrutar con las plantas, he seleccionado, siempre que me ha sido posible, cuadros de pintoras a lo largo de la historia en los que aparecen, aunque sea de forma muy secundaria, elementos vegetales: flores, frutos y plantas.

Por supuesto que no están todas, ni siquiera todas las que yo conozco, pero sí algunas de las mejores.

¡Que disfrutéis con ellas!

Clara Peeters (1594 - 1659)

Louise Moillon (1610-1696)

Angelica Kaufmann (1741-1807)

Henriette Browne (1829-1901)

Berthe Morisot (1841-1895)

Marie Spartali (1844-1927)

Mary Cassat (1844-1926)

Eva Gonzalès (1849-1883)

Maria Bashkirtseff (1858-1884)

Jessie Wilcox (1863-1935)

Suzzanne Valadon (1865-1938)

Gabriele Münter (1877-1962)

Sonia Delaunay (1885-1979)

Olga Rosanova (1886-1918)

Georgia O Keefe (1887-1986)

Mabel Álvarez (1891-1985)

María Blanchard (1881-1932)

Liubov Popova (1889-1924)

Manny Farber (1917-2008)

Elizabeth Peyton (1965)

¿Qué os parece?

Hogar, dulce hogar

Termina el año y ando intentando rematar obras empezadas con anterioridad que por una u otra razón (las más de las veces falta de tiempo, otras, falta de inspiración) he ido dejando arrinconadas.

Atravieso ahora una época en la que tengo algo de tiempo y el brazo en condiciones aceptables así que estoy dándole fin a unos pocos, entre ellos, este lienzo que comencé con acrílicos y he continuado con óleos.

Me lo he pasado muy bien pintándolo. Ha sido divertido y gratificante. Espero que os guste.

Bodegón. Óleo sobre lienzo

Con este tipo de pintura es con la que más cómoda me encuentro, la que me produce más satisfacción, con la que me siento más en sintonía.

Me gusta crear formas que se interrelacionen por su disposición y su color, que formen entre ellas un conjunto armonioso.

Me siento liberada de la necesidad de reproducir fielmente lo que ven mis ojos (eso ya lo hace mi máquina fotográfica) y reproduzco la sensación, la emoción que esas formas producen en mi.

Busco el equilibrio con cierto ritmo, la belleza sencilla, el sosiego del ojo. También cuento una historia pero no a través de la imitación de la realidad sino de la invención de "mi" realidad.

Y trabajo como una hormiguita hasta que encuentro el ángulo perfecto, la inclinación exacta, el volumen concreto, el matiz, el tono, el color...

Este pequeño cuadro realizado al óleo ha sufrido algunas variaciones desde que lo empecé hasta ahora que lo doy por terminado.
He modificado y ajustado formas y colores hasta que por fin he dicho ¡voilà! ¡esto es lo que más se aproxima a lo que yo quería!.

Composición en rojo y azul

Aprovecho esta composición abstracta para reflexionar un poquito sobre el color.
Ya sabemos que el círculo cromático pictórico se completa con los tres colores primarios: carmín, azul y amarillo.

Bien, pues en cualquier composición cromática, para que resulte agradable y armoniosa a la vista, han de estar contenidos en mayor o menor medida los tres colores primarios, ya sea en su estado puro,  ya mezclados entre ellos en forma de secundarios o terciarios.

He experimentado algo con esto, intentando eliminar por completo uno de los tres colores primarios para ver qué ocurría y el resultado ha sido, claro, un completo fracaso.

Comencé esta composición que muestro hoy, utilizando solamente el rojo y el azul, puros o mezclados entre ellos y con el blanco para conseguir diferentes valores de claros y oscuros.

El resultado: muy frío. Entonces, introduje el amarillo y observé lo que pasaba.

Lo mezclé con el carmín en cantidad apenas imperceptible y solo en dos pequeñas zonas pero la composición, de pronto, tomó vida.

Surgieron esos tonos de rojo claro, casi naranja que se ven abajo a la izquierda. Fijaos que poquito y que fuerza la suya.

 Ocurre lo mismo con nuestras pequeñas acciones individuales y cotidianas, que aún siendo insignificantes, son capaces de mejorar (o empeorar) nuestra vida y la de los que nos rodean.

A la composición aún le faltan matices. Es evidente que se necesita algo más de amarillo repartido por ella.

(Gouache sobre papel)

Composición abstracta. Témperas

En mi post anterior hablaba del uso del gouache (pintura al agua) que aquí en España llamamos témperas, de lo práctico y cómodo que resulta su uso en determinadas circunstancias.

Las témperas son pinturas con cuerpo, opacas, cubrientes que consisten en pigmento molido y aglutinado con  goma arábiga o algún tipo de plástico y que se disuelven con agua.

Debido a que en su composición también añaden el blanco, son pinturas sin brillo, opacas, que permiten composiciones sólidas en las que se puede aplicar un color claro sobre otro oscuro, cosa que no puede hacerse con las acuarelas que también son pinturas al agua.

Con ellas podemos realizar temas muy elaborados. Tal es así que ya fueron utilizadas en la Edad Media por los ilustradores de manuscritos.
Hoy día las utilizan mucho los diseñadores para conseguir superficies muy limpias y planas, fáciles de reproducir luego mecánicamente.

Además de limpias y cómodas son muy asequibles. Un equipo para pintar con témperas solo requiere unos  botecitos de los colores primarios: carmín, azul y amarillo mas el blanco y el negro y unos pocos pinceles, además de trapos y recipientes para el agua y las mezclas.

El soporte puede ser cualquier papel (yo utilizo mucho los de envolver que usan en las tiendas antiguas de comestibles), tabla, arpillera...
También podemos utilizar cartón pero en este caso, conviene darle antes una mano de cola para que la pintura resalte.

Pues nada, aquí he dejado para ilustrar este pequeño texto, un dibujo realizado por mi con témperas sobre papel. Como puede observarse, la superficie roja es completamente plana. Los tonos verdosos por el contrario están muy diluidos.  Espero que os guste.

Noche y día

Hoy quiero hablar del juego tan grande que da el uso del gouache.
Yo tuve una época en la que andaba siempre con muchas prisas, poco tiempo y poco espacio para ponerme a pintar así que para quitar "el mono" me aficioné a los gouaches.

No desprenden olores fuertes como el aguarrás y el óleo por lo que puedes usarlos en una habitación cerrada sin problemas.

No necesitas caballete pues pintas sobre cartulina o papel encima de cualquier mesa.

Secan enseguida por lo que en poco tiempo, puedes dejar los trabajos recogidos sin que molesten por ahí.

Al disolverse con agua, limpias pinceles y demás útiles en un santiamén.

En fin, muchas ventajas para situaciones complicadas. Yo pinté muchos que mas adelante, ya con tiempo y espacio, he utilizado como inspiración para cuadros al óleo más acabados.

Para este óleo por ejemplo, me sirvió de base el gouache de arriba. No se parecen mucho pero es que, si algo odio es repetir lo mismo. A eso si que no le veo ningún sentido.

Depredador

Este dibujo es de hace muchísimos años, nada menos que del 89 pero revisando las carpetas me lo he encontrado y me he quedado sorprendida de lo bien que refleja desde mi punto de vista, de forma alegórica, claro, la situación que estamos viviendo ahora mismo en este país.

Esa es la razón por la que lo muestro aunque solo es un apunte realizado con pinturas gouache sobre cartulina blanca sin mayores pretensiones.

Saber parar

En esto de la pintura (como en todo, supongo), ¡qué importante es saber cuándo tiene uno que parar, cuándo tienes que retirarte y dejar que la obra que ya tiene vida, la viva sin alteraciones.

Yo reconozco que esto es algo que no se me da muy bien.
Consigo algo que me gusta y, en vez de dejarlo así e iniciar algo nuevo en otra tabla o en otra tela, empiezo a pensar: ¿y si...? y sigo, y sigo hasta que de pronto, me encuentro con algo entre manos que ya no tiene nada que ver con la idea original.

Esto es lo que pasó con esta pequeña tabla que comenzó siendo un apunte sencillo, alegre, fresco y ligero y acabó siendo algo compacto, pesado y hasta un poco deprimente.

Comencé tratando una tabla con acrílico mezclado con arena de río para darle textura con la idea de pintar sobre esa base otra cosa pero tenía encima de la mesa la copa y el frutero y me dio por hacer un apunte rápido, sin dibujo previo, dibujando directamente con el pincel y acrílico (esta vez sin arena)  diluido en agua. Me gustó.

Y luego, pensé: ¿y si....? Y seguí. En la foto siguiente se ve el resultado.

Creo que de todo esto, lo interesante puede ser observar cómo con el mismo pretexto (la copa y el frutero) pueden expresarse muchísimas cosas diferentes. Por eso siempre he considerado que el tema, el pretexto, es lo de menos.

Composición. Comprender una pintura abstracta.

Sobre una tabla cuadrada de 20 cm x 20 cm realicé esta pequeña composición con acrílicos y recortes de periódico.

Utilicé dos parejas de complementarios: malva - amarillo pálido y  azul -naranja, para obtener armonía cromática.

Los apliqué de forma muy tenue para que el conjunto resultara muy suave y discreto.

Sobre ese fondo, creé un foco de atención con el cuadrado negro que contiene el número, de forma que dicho número se convierte en el protagonista de la composición. Al mismo tiempo, conseguí con ello un contraste de valores (claro - oscuro). Sin este contraste, el resultado habría sido monótono y blando.

Me ayudó a conseguir el equilibrio final de la composición, la diferencia de espacio que ocupa uno de los colores de cada pareja con respecto al otro (mucho - poco, mucho -poco)

La colocación de los elementos de atención en diagonal, le dan a la composición un movimiento circular: vas de uno a otro sin que el ojo se salga del cuadro, girando en torno al centro.

Con esta explicación técnica quiero hacer ver a aquellas personas que no entienden o ven mérito alguno en una pintura abstracta, la reflexión y el estudio que se lleva a cabo para realizarla.

Un ser humano cualquiera

Dibujo con tinta china y rotring sobre papel.

Esta técnica la he explicado ya varias veces por lo que no tiene objeto repetirme. Está dibujado con el rotring cargado de tinta china negra sin dibujo previo a lápiz.

Por lo demás, no necesita comentarios.

Capas sedimentarias

Capas de materia inerte que se van depositando a lo largo de los años sobre las ilusiones, los proyectos, las esperanzas… hasta dejarlos sepultados, sin salida.

Sedimentos de vida con pequeñas apariencias de fisuras, ilusiones de libertad, de poder algún día romper la presión y liberarse.

Pero se está calentito y seguro ahí dentro ¿merecerá la pena romper la aparente calma y armonía que nos envuelve? ¿Qué nos espera fuera?

Acrílico sobre tabla de 60 x 60 cm.

Un mal sueño

Hay días que te vas a la cama con sensación de asco, de decepción y desesperanza, con la impresión de que todo lo que ha ocurrido es un mal sueño.

Pero al día siguiente, el mal sueño continua... ¿en qué nos estamos convirtiendo? ¿que está pasando con los valores y principios que regían una sociedad democrática, moderna, avanzada en derechos y libertades, socialmente equitativa y solidaria?
Una sociedad que era la nuestra, que la habíamos forjado entre todos a lo largo de estos últimos 40 años.

Ahora, de pronto, se convierte en un monstruo voraz, aniquilador, corrupto, represor, un monstruo mafioso y depredador que mucha gente ve con simpatía y quiere que sea el dueño y señor de nuestras vidas.

Dibujo con tinta china y rotring sobre cartulina blanca.

Cuando hice este dibujo tuve muy claro cómo titularlo: "Un mal sueño"

A veces, empiezas a dibujar sin ideas previas, sin intención, dejándote llevar por un impulso subconsciente y cuando has terminado ves con asombro cómo has reflejado exactamente aquello que te estaba preocupando, molestando, doliendo...

De aquí que las funciones del dibujo pueden ser muchas y muy diferentes y que resulta un proceso mental muy complejo en el que intervienen factores que dominamos y otros que nos dominan.
Por medio del dibujo podemos perseguir la belleza, la estética, la armonía... pero también comunicarnos, gritar nuestras alegrías y nuestros miedos.

Mano abierta

Inspirándome en las manos prehistóricas de la cueva del Castillo en Puente Viesgo (Cantabria), manos de las primeras mujeres pintoras de las que se tiene noticia, de hace la friolera de 40.000 años, milenio arriba o abajo.

¿Que cómo sabemos que eran de mujer? pues eso es lo que dicen los expertos que las han analizado.
Las estampaban de dos formas: en positivo, pintando la mano con pigmentos sobre la roca y en negativo, poniendo la mano abierta sobre la roca y pulverizando alrededor el pigmento.

La mía está hecha sobre una base de acrílico y arena extendido de forma irregular para simular la textura rugosa y abrupta de la roca.

Lo que simboliza una mano abierta hoy día, todo el mundo lo sabemos. ¿Qué querrían expresar con sus manos abiertas nuestras antepasadas?

Mujer en rojo. Tintas

Hace mucho tiempo que no dibujo con tintas. Este dibujo que os muestro hoy es de hace bastantes  años, no sé cuántos ya que ni lo firmé ni feché.

En aquellos tiempos, la minuciosidad y concentración que requiere este tipo de trabajo, me relajaba, me devolvía a la calma y el sosiego después de una jornada de trabajo agotadora o estresante.

Generalmente (como en este caso) no hacía dibujo previo ya que comenzaba sin una idea preconcebida, solo deseando aislarme y disfrutar del trazo y el color.

Cargaba el rotring y trazaba unas líneas sobre el papel.  Poco a poco, sin darme cuenta, iba surgiendo la figura, el animal, la flor, el pájaro, el rostro...

No tengo ni idea de cuál era mi estado de ánimo el día que hice este dibujo. Ahora, visto de lejos, lo siento áspero, duro. Seguramente por eso, incluí esa gran mancha roja y lisa que contrarrestara con su calidez, la frialdad de lo demás.

Rompiendo esquemas. Pastel

Yo tengo una asignatura pendiente con los pasteles que como su nombre sugiere, son pinturas pastosas que podemos adquirir en forma de barritas o de lápices.

Los colores de los pasteles son frescos, luminosos, impresionantes y me gustaría mucho dominar la técnica pero hasta ahora he de confesar que solo he pintado con ellos una docena de dibujos, de forma totalmente autodidacta y libre, sin atenerme a normas.

Cuando hablamos de pasteles, enseguida se nos viene a la cabeza el nombre del famoso pintor francés Degás con sus bailarinas y jinetes pero hemos de saber que la pionera de este tipo de pintura fue una mujer, Rosalba Carriera, pintora veneciana del siglo XVII-XVIII, que consiguió la proeza de llegar a ser famosa en un mundo exclusivamente de hombres. Mas adelante, en el XIX-XX, otra pintora, la estadounidense Mary Cassatt, consiguió la misma proeza.

Aunque no estamos en Nochevieja que es cuando se formulan los propósitos para el Año Nuevo, yo me propongo a partir de ahora, dedicarles más tiempo y aprender a utilizarlos con más maestría.

De momento, aquí queda este personaje a pastel, intentando abrir su mente para extraer de ella todo lo que le inculcaron y que ya no sirve. Lo pinté como boceto para un cuadro posterior que aún no llegó.

Bodegón. Óleo sobre lienzo

Esta semana he estado reciclando.
El cuadrito que os muestro, estaba empezado y arrinconado desde hace tiempo. Buscaba algo que no acababa de conseguir y lo había dejado para mejor ocasión.

Lo de dejarlo suele dar buen resultado porque hay veces que uno se obceca, da vueltas como una peonza sobre lo mismo y no sale del círculo en el que se mete.

He vuelto sobre él y no estoy muy segura de que algún día no vuelva a cambiarlo pero de momento, así se queda y no me disgusta.

Había dibujado un conjunto de botellas y recipientes atravesados por un haz de luz pero el motivo era demasiado obvio así que lo he "deconstruido" y convertido casi en piezas de un puzle sin que desaparezca del todo la imagen de botella o recipiente.

Lo que yo quería era, utilizando colores planos, sin hacer uso del claroscuro o de luces y sombras, dar la sensación de profundidad, de piezas u objetos superpuestos, valiéndome solo de los colores.

Es un óleo sobre lienzo de 38 x 46cm.